Las modas pasan y nuevos talentos surgen, la música siempre está en evolución.
Aleks Syntek, el gran genio de la música pop, visitó los nuevos estudios de Súper Estrella Online en Los Ángeles, California donde platicamos sobre los detalles de su gira “3D ECADAS TOUR” en los que celebrará sus 30 años de trayectoria artística, la cual tendrá como invitado especial a Fehr Rivas, un súper estrellado de corazón.
Le preguntamos acerca de su teoría de que el rock y el pop están muertos, a lo que nos respondió que se trata de un tema latino: “Es un tema latinoamericano porque si tú en Goggle le pones, ‘giras más taquilleras del mundo’ te encuentras con Red Hot Chili Peppers, The Killers, The Roling Stones, Coldplay, que son artistas de rock. Eso de que el rock está muerto lo dicen los latinos, porque no se dan cuenta que el mundo sigue oyendo toda una diversidad musical”.
Durante esta conversación, Aleks Syntek nos presentó ‘Inmortal’, su nueva colaboración con Fehr Rivas y del porqué es tan importante apoyar a los nuevos talentos ya que el camino no es fácil.
“A veces leo en las redes sociales, es que tú eres un burgués y eres un fresa y la gente ignora muchas veces de dónde vienes, vengo de una familia modesta, vivía en unos apartamentos de interés social, mi papá era empleado de gobierno y no había para instrumentos musicales en mi casa y mucho menos para que yo me fuera a estudiar a Berkeley, Los Ángeles o algo así, me tuve que quedar a picar piedra”.
Compartió con nosotros como nació el nombre de Aleks Syntek: “Mis amigos me empezaron a decir tu eres el sin teclados, vienes a mi casa quieres tocar el piano y siempre los pides prestados”.
Escuchar nuestra diversidad musical y nunca dejar de apoyar a las nuevas generaciones de artistas comprometidos con estilo propio como Fehr Rivas que apuesta por su estilo “Rockmantico” es una buena opción para Syntek.
“En mi época no había internet ni redes sociales y lo único que hacíamos los artistas en los 90 era desafiarnos a nosotros mismos y retar al público a escucharnos con cosas muy diversas. Maldita Vecindad no se parecía a Café Tacuba, ni Caifanes a Molotov y todos éramos genuinamente diferentes.
Te dejamos nuestra conversación completa para que la disfrutes:
Las modas pasan y nuevos talentos surgen, la música siempre está en evolución.
Aleks Syntek, el gran genio de la música pop, visitó los nuevos estudios de Súper Estrella Online en Los Ángeles, California donde platicamos sobre los detalles de su gira “3D ECADAS TOUR” en los que celebrará sus 30 años de trayectoria artística, la cual tendrá como invitado especial a Fehr Rivas, un súper estrellado de corazón.
Le preguntamos acerca de su teoría de que el rock y el pop están muertos, a lo que nos respondió que se trata de un tema latino: “Es un tema latinoamericano porque si tú en Goggle le pones, ‘giras más taquilleras del mundo’ te encuentras con Red Hot Chili Peppers, The Killers, The Roling Stones, Coldplay, que son artistas de rock. Eso de que el rock está muerto lo dicen los latinos, porque no se dan cuenta que el mundo sigue oyendo toda una diversidad musical”.
Durante esta conversación, Aleks Syntek nos presentó ‘Inmortal’, su nueva colaboración con Fehr Rivas y del porqué es tan importante apoyar a los nuevos talentos ya que el camino no es fácil.
“A veces leo en las redes sociales, es que tú eres un burgués y eres un fresa y la gente ignora muchas veces de dónde vienes, vengo de una familia modesta, vivía en unos apartamentos de interés social, mi papá era empleado de gobierno y no había para instrumentos musicales en mi casa y mucho menos para que yo me fuera a estudiar a Berkeley, Los Ángeles o algo así, me tuve que quedar a picar piedra”.
Compartió con nosotros como nació el nombre de Aleks Syntek: “Mis amigos me empezaron a decir tu eres el sin teclados, vienes a mi casa quieres tocar el piano y siempre los pides prestados”.
Escuchar nuestra diversidad musical y nunca dejar de apoyar a las nuevas generaciones de artistas comprometidos con estilo propio como Fehr Rivas que apuesta por su estilo “Rockmantico” es una buena opción para Syntek.
“En mi época no había internet ni redes sociales y lo único que hacíamos los artistas en los 90 era desafiarnos a nosotros mismos y retar al público a escucharnos con cosas muy diversas. Maldita Vecindad no se parecía a Café Tacuba, ni Caifanes a Molotov y todos éramos genuinamente diferentes.
Te dejamos nuestra conversación completa para que la disfrutes:
Martha Higareda está en boca de todos desde hace unos días debido a las declaraciones que ha hecho a lo largo de su carrera y que para muchos son bastante extraordinarias.
La actriz mexicana ha sido criticada tanto por los medios como por los usuarios de internet, además de que se ha convertido en objeto de burlas y memes, pues nadie cree las cosas que le han pasado en su vida que van desde el encuentro de su abuelo con un OVNI muerto, hasta rechazar a Jared Leto cuando quiso salir con ella, sean verdad.
De esta forma la vida de Martha se ha convertido en una historia extraordinaria que muchos quisieran vivir o que al menos debería estar documentada en una película.
En esta nota te vamos a desmenuzar cada uno de los momentos que han llevado a Marthita a convertirse en el meme del momento por lo descabellados que suenan.
¿Estás listo? Aquí decidirás si Martha tiene razón o se trata de una mujer alucín.
Martha rechazó a Jared Leto
Según Martha en algún momento de la vida y cuando ella tenía novio, Jared Leto la invitó a salir pero ella, al ser súper fiel como asegura, tuvo que rechazarlo incluso cuando Leto le dijo que salieran en Los Ángeles. Martha le contó su historia a las cámaras y el momento quedó registrado para la eternidad.
Aunque usted no lo crea Martha Higareda asegura que con tan solo cuatro meses de vida ya podía hablar y que aunque suene raro es cierto. Quizá nació con un don que solo ella en el mundo tiene…
Ryan Gosling la salvó de una caída
Según Martha, en una noche de antro su amiga se sintió mal y tuvieron que irse del lugar en el que estaban a toda prisa. Cuando estaban caminando hacia la salida, su suéter se atoró en la mesa e hizo que casi se cayera de no ser por los brazos de Ryan Gosling que la sostuvieron justo antes de darse el golpe. Él le preguntó si estaba bien y de esta forma vivió un momento de película que todas quisiéramos tener.
Rechazó un papel con Robert Pattinson por ‘No Manches Frida’
Martha es fiel amante del cine mexicano, tanto que cuando le hicieron la propuesta de actuar en un papel protagónico junto a Robert Pattinson, ella lo rechazó pues estaba en puerta grabar la película mexicana ‘No Manches Frida 2’ junto a Omar Chaparro. ¿Una más de sus historias alucines?
Como lo dice el título de este apartado, Martha se mete tanto en un papel y hasta en un momento, que si no se sale a tiempo termina soñando en otro idioma. Así lo dijo durante una entrevista que dependiendo el lugar y las personas con las que estuviera, se quedaba pensando e incluso visitando a Morfeo en otro idioma.
Cuando salió de fiesta con Rihanna, Tom Holland y Prince
Cuenta la historia que un día Marthita estaba de fiesta con Zoe Kravitz y en eso recibió una llamada de Rihanna invitándola a pasar un rato a la famosa “Casa Morada” de Prince. Al llegar a la residencia, Martha se sorprendió por el lugar, la compañía que tenía y por la aparición de Prince quien de la nada se puso a tocar su guitarra frente a todos. Extraño ¿No te parece?
Le leyó las cartas a Canelo Álvarez
En una de sus aventuras, Martha le regaló una foto a un narco pelirrojo que estaba rodeado de guardaespaldas, lo que no notó es que se trataba del Canelo Álvarez a quien según ella no conocía. La anécdota quedó ahí pero horas más tarde se reencontraron en un avión en el que terminó por leerle las cartas sin saber de quién se trataba.
Para rematar los momentos inventados de Marthita Higareda, la anécdota de su abuelo que no ha visto nunca un fantasma pero sí a un ovni… cabe señalar que ese ovni estaba muerto.
Con el éxito de su nuevo disco Mañana Será Bonito (2023), Karol G se ha convertido en la artista latina más grande del momento y luego del tema que lanzó junto a su compatriota colombiana Shakira, sus números se han ido a las nubes convirtiéndola en una de las más grandes artistas del momento.
Por todo el éxito que la acompaña, “La Bichota” ha estado ofreciendo diversas conferencias de prensa y asistiendo a programas tanto de radio como de televisión pues todos quieren conversar con ella, sin embargo en una reciente entrevista las cosas no pintaron tan bien para ella.
La cantante asistió a entrevista al show de televisión española “El Hormiguero” en donde el presentador Pablo Motos tuvo un error al momento de presentarla y en lugar de decir su nombre, dijo el de su colega latino-estadounidense Becky G.
Todo sucedió al inicio de la entrevista, cuando el host del programa estaba mencionando algunos de los logros que Karol G ha tenido recientemente, cuando de pronto entre lo que estaba comentando terminó por confundir su nombre con el de Becky y la reacción de Karol G no tuco precio.
“Esta es la explicación de por qué las canciones de Becky G tienen más de mil millones de visualizaciones y que no tiene que ver con una coincidencia o con un golpe de suerte y que tiene que ver con mucho trabajo”, dijo en vivo y en horario estelar.
Karol no reaccionó de mala forma e incluso dejó que el presentador siguiera con el programa, lo que sí hizo fue hacer una cara de sorprendida pero dejó que todo siguiera su curso.
Esto habla de la gran personalidad y corazón que tiene Karol G pues en ningún momento se mostró molesta sino que prosiguió con la entrevista y respondió a todas las preguntas con la mejor actitud, algo que cualquier otro artista hubiera tomado como una ofensa.
¡Bang, bang! Sonaba la tarola de una banda callejera en la azotea de una vecindad. Las aves sobrevolaban entre tendederos con ropa y el llanto de los gatos se escuchaba a la distancia. Cascos de cerveza y un par de amplificadores rotos adornaban el cuadro.
De fondo la radio con la clásica cumbia de lavaderos y por las calles una camioneta vieja que pregonaba por la colonia si tenían latas, lavadoras, microondas o algo de fierro viejo que vendan.
La magia de un momento hechizante, salido de una película en blanco y negro. Una pintura neoclásica de la que imaginas cientos de historias pero todas culminan en el mismo final. Cuatro libertinos en la edad de lo desconocido utilizaban su magia única para dejar el mundo y conectarse al mismo tiempo en el unísono infinito.
El pelo enmarañado, la mezclilla gastada de sus jeans, las uñas mal pintadas de negro y una resaca de más de dos días. Todo era parte de su mística. Todo estaba en su lugar.
Me situé en ese momento. Imaginé que los acompañaba en su ensayo y que los chillidos de la guitarra me recorrían la espalda. Me senté junto a ellos en un tinaco mientras reflexionaba la profundidad de las letras. Las frases iban y venían, rebotaban todo el tiempo en mi cabeza.
¿Qué pensaban? ¿Cómo se sobrevivía a un momento así de insólito en la música? ¿Qué se sentía haber creado la mejor banda de rock y ni siquiera saberlo? Me acerqué a Diego y después de hacer un ligero solo de teclado, lo dejó por un momento para sentarse conmigo a beber y a charlar…
“Lo nuestro era hacer música. Nunca pensamos en nada, simplemente nos caímos bien y dijimos ‘yo tocó esto, yo toco lo otro’ y pues chido, de esa forma se dio, nunca pensamos en hacer una banda, al menos ni Saúl ni yo pensamos en hacer un grupo que llenara lugares o tuviera rolas legendarias. Solo queríamos tocar.
Me parecía interesante compartir con un “broder” diferente, porque yo venía de la salsa y de tocar jazz, entonces dije “vamos a ver de qué se trata este rollo’. A la fecha yo me considero mucho más jazzero o folclórico o salsero que rocanrolero, porque tiene que ver no solo la música que tocas si no el cómo vives.
Después salió la idea de irnos a España en un barco que te daba aventón. Te subías a chambear haciendo lo que fuera y a cambio de eso te llevaban. Ya casi nos íbamos para allá y de pronto apareció Juan Manuel Aceves, un amigo que nos consiguió un estudio de grabación como de 10 de la noche a 5 de la mañana que era cuando estaba libre y ahí nos metimos a hacer los demos.
Uno de nuestros amigos le llevó el demo a un cuate de la radio y programaron la rola en Espacio 59, una estación bastante chida para bandas nuevas, entonces eso nos volteó completamente la jugada porque estábamos casi por irnos. No sé qué hubiera pasado en España la verdad.
No teníamos idea, queríamos tocar y punto. Me pareció interesante hacer algo con este güey y la verdad yo no había escuchado nada, me empezó a poner rolas y dije ‘órale qué chido está’ y le empezamos a meter. Ahora míranos, aquí estamos 37 años después”.
Su apariencia era oscura, desalineada y hasta andrógina. Parecían salidos de una película de Burton, ¿fue coincidencia?
Saúl traía mucho esa onda para mí era algo nuevo. Esa onda de pintarse los ojos y pararnos los pelos antes de tocar, la ropa negra y todo ese pedo era una novedad y de alguna manera estos güeyes ya lo traían más en la sangre, Alfonso y Saúl. Yo me adapté a su mundo. Historias muy diferentes a la mía. Yo empecé a descubrir muchas cosas en términos musicales porque había algo en mí que ninguneaba al rock en muchos sentidos y hasta a ciertas bandas. Yo decía ‘necesito más armonía, más acordes, cosas más complejas’, me hacía falta más. La parte oscura la fui agarrando poco a poco y me fui metiendo a la onda que traían ellos”.
Después el sonido hizo historia…
“No fue una cosa racional ni consciente, fue algo que se dio. Un día me preguntaban de dónde habían salido los sonidos tan característicos del primer disco, pero lo que pasa es que yo solo tenía un sintetizador que tenía ocho sonidos (risas), entonces o usaba la marimba o usaba las cuerdas. A veces pedíamos prestado equipo pero eran más las condiciones en las que tocábamos. Yo había escuchado poco rock, escuchaba cosas más progresivas como Yes, Genesis, más rock progresivo, venía de la salsa y el jazz, así que supongo que las ideas se mezclaron. Lo que traía Saúl con lo mío.
No sé bien cómo fue el proceso. De repente me dijo ‘güey ahí tengo una rola’ le dije ‘ahí tengo una grabadora y unos sintes, vamos a juntar las canicas’ y nos sentamos en un cuartito de azotea a empezar a chambear. ‘Cómo ves si le metemos esto’, ‘Ah suena chingón búscale acá’, y así fue. Ya después llegó el productor del primer disco y empezó a jalar hilos de cosas interesantes que le sonaban a él, de usar esto y lo otro.
En ‘Viento’ por ejemplo, nos faltaba una rola para el disco y Saúl llegó con esa secuencia de acordes y empezó a tocar y luego pasó la historia de la servilleta. Un señor que nos veía en La Veiga, un restaurante que ya no existe, nos pasó una servilleta con la frase de la rola. Nos veía y escribía cosas y ese día traíamos los pelos parados, entonces escribió “Préstame tu peine y péiname el alma” y ya de ahí Saúl se encarreró con la letra pero esta rola era para rellenar el disco.
Fue muy chido porque era un proyecto en el que no queríamos rendirle cuentas a nadie más que a nosotros mismos. Si lo que yo estaba haciendo le gustaba a este güey y al otro, ya estábamos del otro lado. Éramos nosotros y lo seguimos siendo hasta la fecha. Nuestros propios jueces.
La mística siempre fue parte de Caifanes…
La música tiene la virtud y la capacidad de saltarse la parte racional. Eso explica que de repente estés cantando a todo pulmón en un concierto con un güey que no pelarías nunca en la calle, pero cuando tocan tu rola favorita hasta lo abrazas. La música es mística completamente, tenía un maestro que decía que la música era el mejor vehículo para acercarse a Dios, y sí, hay muy pocas cosas que evocan sentimientos o sensaciones como la música. Es como el olfato de pronto hueles algo y te regresa todos esos recuerdos.
Saúl siempre tuvo una forma muy mística y particular de escribir. Todo iba junto con pegado, por lo menos en mi caso siempre he sido mucho de víscera y es algo que ha pasado con las nuevas rolas que de repente todo cae en su lugar.
Mucho de ello es dictado no es nuestra creación. Hay ciertas rolas y ciertos momentos en donde eres solo un camino, lo demás te lo dictan de allá arriba.
Cuando buscas Caifanes en Internet, los primeros 100 resultados te arrojan la misma frase: Caifanes, la mejor banda de rock en español… ¿Estás bien con el título que se les ha dado?
Creo que sí somos una banda con una propuesta muy particular. Nos abrimos paso a chingadazos y logramos entrar a lugares donde nadie había entrado. Medios masivos, radio y en ese sentido sí fue un parte aguas.
¿La mejor banda? No sé. Creo que no hay que buscar ser la mejor banda, le rompes la madre al asunto. Luego escuchas rolas que dices, ‘estos güeyes la quieren pegar a huevo’. Hay que hacer música por necesidad. Tiene que ver con eso, con hacer música por las ganas de hacer música, no por buscar fama. Hacerlo por el dinero y la fama es exactamente la forma para no lograrlo.
Si tú haces las cosas con gusto y corazón, se oye y se siente. Es como tú, si quieres hacer un reportaje chingón estás ahí con alma y cuerpo puesto en ello y se siente y lleva esa energía.
Creo que hay muchos caminos, el nuestro fue este y nos fue bien y quiero pensar que es por que somos honestos con lo que estamos haciendo.
Cuando terminan una canción deja de ser suya y pasa a ser de quién la escucha. Cuando escuché ‘Sombras En Tiempos Perdidos’ por primera vez, sentí un abrazo profundo en el momento en el que más lo necesitaba. ¿Cómo es hacer estas canciones y qué pasa cuando alguien más se adueña de ellas y les da un nuevo significado?
Cuando llegas al estudio ya le diste a cada rola mil vueltas por todos lados. ‘Sombras En Tiempos Perdidos’ me gusta mucho, es de mis rolas favoritas de Caifanes. La armonía y la melodía y cómo fue hecha. Esa está en el Diablito y en ese disco hubo dos rolas que hicimos con Daniel Freiberg, un músico y un súper productor argentino, ‘La Celula’ y ‘Sombras’.
Me acuerdo que para ‘La Célula’ necesitábamos una trompeta para el final y Daniel me dice ‘¿A quién quieres?’ le dije ‘jálate a Randy Brecker’, de broma porque lo admiraba mucho. Me dijo ‘sí le hablamos ahorita’, y de pronto llegó sacó su trompeta y nos pusimos de acuerdo para ver qué iba a tocar. Entró y en exactamente 15 segundos había captado lo que queríamos. Le dije ‘falta un solo en esta parte’ y se lo echó y solo estuvo 10 minutos con nosotros a lo mucho.
Este disco fue muy particular porque Gustavo Santaolalla hizo un pedazo, el Cachorro hizo otro y Freiberg otro. Creo que la elección de las canciones fue muy atinada. No sé quién eligió a Dani para hacer esas dos o que Gustavo hiciera ‘El Elefante’, que es muy teatral, pero muy buena elección.
Hay experiencias muy bonitas e interesantes de producción y de arte.
¿Cuál es la mejor y cuál es la peor rola de Caifanes?
No sé porque las puedo ver como las ves tú. Yo las toco un chingo pero las concebimos juntos entonces no creo que haya una mala canción.
Hay rolas que me conmueven mucho por la historia que significan en mí vida, como lo serán en la tuya. Una novia de la secundaria con la que querías desde hace meses y de pronto pusieron ‘Antes De Que Nos Olviden’ y pues esa rola se convierte en un himno para ti.
No hay una rola mala de Caifanes no porque seamos unos genios, sino porque no la dejamos pasar. La detuvimos antes de que saliera. Y no por sonar a una junta que evaluaba la canción y la calificaba, porque el rock es mucho más empírico, de decir ‘está chingón eso’ o ‘suena poca madre’, más que pensar en una buena rola y una mala.
Tengo mis consentidas porque en algunas quizá hago un solo de sax que me gusta mucho o cuando la grabamos algo pasó ahí y eso. Tenemos nuestras consentidas y nuestras obligadas, porque hay rolas que dejaría de tocar pero la gente las quiere y nosotros estamos para ellos.
¿Recuerdas la primera vez que tocaron en Estados Unidos? ¿Cómo se sintieron de llegar y de encontrarse a miles de fanáticos del otro lado?
La primera vez que tocamos fue en Los Ángeles. Estábamos en un camerino como con una ventanita chiquita y ahí Saúl y yo nos asomábamos como podíamos para ver. Nos asomábamos para ver cómo estaba todo y Saúl me decía ‘hay un chingo de gente’. Llegó un chingo de gente y se llenó para nuestra sorpresa. Fue parecido a lo que pasó aquí en México. De hecho me cambié de casa hace poco y me encontré el cartel y te estoy hablando del 89 por allá.
Esa fue la primera vez que tocamos en Estados Unidos y creo que ahora tocamos más allá que acá. Siempre ha sido una plaza muy buena, vamos a Ontario ahora y aunque los boletos ya están agotados es todo un placer tocar en este lugar.
¿Qué pasa cuando das todo sin esperar nada a cambio? Cuando el corazón manda y la creatividad rebasa todo límite de tu ADN. Ese es el feeling que representa a Mariangela, la cantautora mexicana que está apoderándose de los charts y que ha trabajado casi artesanalmente una carrera que de a poco está subiendo como la espuma.
Recientemente platicamos de música y entre muchas sorpresas, noté que aunque acaba de firmar con una de las disqueras más grandes del mundo, sigue teniendo los pies sobre la tierra y sabe en qué lugar y momento vive.
Conversamos de sus inicios y de cómo llegó la música a su vida. También hablamos de sus composiciones que están sonando por todo México y alcanzando nuevos públicos en las ciudades más importantes de Estados Unidos.
Repasamos el trabajo que hubo detrás de su primer disco de corta duración 4 + 1 (2022), una pieza que creó con amor, melancolía y mucho sentimiento. Un disco que si bien sirve como su primer acercamiento a la escena, también tiene un sonido muy trabajado y un mensaje de reflexión para quien lo escucha.
Aunque su estilo conlleva profundidad en su lírica, también lleva consigo un mensaje de aliento que te abraza y te susurra al oído que todo va a estar bien. Esa es la melancolía para sobrevivir el cambio. Esa es Mariangela Guerra.
Checa la charla completa y si eres de aquellos que todo el tiempo está en búsqueda de nuevos sonidos, Mariangela seguro te va a quitar el aliento…
Veo que eres una artista que todo el tiempo está creando y lo traduces en canciones desde cualquier lugar en el que estés. Platícame un poco de qué significa la música en tu vida y cómo llegó a ti.
La verdad es que desde que estaba pequeña la música siempre me había gustado. Nunca pensé que iba a dedicarme a eso porque no lo veía posible. No tengo ningún contacto, no tenía nada, yo era de las que bailaba en su cuarto y cantaba y escuchaba música, pero jamás pensé que iba a ser cantante y compositora, no pasaba por mi cabeza.
Me gustaba mucho escribir poemas y aprendí tocando la guitarra. Después cuando empecé ya con mi carrera, que fue cuando subí un cover de una canción de Carla Morrison que se llama ‘Tu Luz’ y que se viralizó, mi manager me encontró y me dijo ‘Oye, nunca has pensado en escribir canciones?’ Y yo, ‘Pues mira, muchacha intensísima’, porque soy súper intensa, ‘Que le gusta escribir, tocar la guitarra y me gusta cantar, pues no creo que sea tan difícil componer mis propias canciones’.
Cuando empecé a componer, empecé a hacerlo por necesidad, porque ya había una manera en la que yo podía sacar mis emociones, ya sea líricamente, melódicamente, con mi guitarra, hasta con una progresión de guitarra y que podía sonar a lo que yo sentía, me cambió completamente la vida ahí.
Creo que lo que la música significa para mí, en resumidas palabras, es una necesidad. Es la única manera que en la que sé expresar lo que siento.
En tu Instagram vi un reel en el que la gente de otros países comparte contigo mensajes y te muestra que tu música llega hasta su ciudad. ¿Qué se siente saber que alguien está escuchando tu música en Argentina y otra persona en Nueva York?
No es algo que pueda describir al 100, es un sentimiento extraño como de emociones encontradas. Hay una parte de mí que al principio sentía un poquito de miedo porque era incierto, pero ahora siento que es emoción, con nostalgia, con orgullo, con felicidad, con demasiadas cosas.
Literal algo por lo que trabajas, en mi caso tres años de encontrar sonidos que encajen con lo que estoy haciendo y después sacarlo y que personas en Madrid lo escuchen, no sé, yo estoy en Texas ¿sabes? y también lo he visto en Colombia, que también es es un lugar donde me escuchan mucho, obviamente mi país, México, donde yo nací y crecí por casi diez años, es hermoso.
Es un sentimiento muy gratificante el saber que mi corazón y una parte de mi donde yo fui tan vulnerable, pudo tocar a una persona que no me conoce, que no sabe nada de mi al otro lado del mundo.
¿De dónde surge ese cariño especial que le tienes a las baladas melancólicas?
Es que siento que yo soy una persona bien intensa, entonces cuando me siento triste es una tristeza extrema y eso me ha llevado a cosas no muy bonitas como depresiones y ansiedades, también como a las cosas buenas, porque cuando yo me emociono o estoy feliz por algo, me emociono intensa, me acuerdo de las palabras de mi mamá de ‘Mijita, tranquila, tranquila, relájate, respira’. Creo que esa es la esencia de las canciones, porque cuando eres una persona intensa, cuando estás triste, sientes que se te cae el mundo hasta por las cosas que no necesariamente te pasan a ti.
Es tan intenso lo que siento que es a través de mis canciones y de las baladas melancólicas que puedo externarlo. Por ejemplo la canción de ‘Soñarte’ es una canción que habla de una muerte, del fallecimiento de alguien que se fue a otro plano, pero es una canción con un ritmo muy up-beat, una canción estilo drum and bass y siento que la intensidad de la lírica profunda y melancólica y nostálgica, viene de eso, de quién soy yo, porque sí me considero una mujer muy nostálgica.
Cuando escucho tus canciones me doy cuenta de lo bella que puede ser la música cuando es sencilla y se basa en la voz. De hecho Kanye West dijo alguna vez que la voz es el mejor y el más avanzado instrumento musical. ¿Compartes algo de este pensamiento?
Totalmente. Hay canciones que no han escuchado todavía donde he tenido ideas de un solo de guitarra o cosas así pero realmente con tu voz sí puedes hacer cosas maravillosas
También siento que depende mucho de la persona que lo escuche. Hay personas que son más música que letra o voz o la melodía de la voz o escuchan más lo de atrás. Entonces no sé si es cierto que es una pregunta muy subjetiva.
Los covers que has hecho en Tik Tok seguramente son importantes para ti por algo, pero en tu nuevo EP incluiste un single de Roberto Carlos que es ‘Cama Y Mesa’, supongo que este tema tiene un especial significado como para incluirlo en esta producción…
Fíjate que es un tema muy especial para mí por una razón muy graciosa y súper inesperada. Roberto Carlos obviamente es un hombre con una trayectoria musical gigante y es una persona conocida alrededor del mundo, pero en especial yo sabía quién era porque mi papá se llama Carlos y mi hermano se llama Roberto, mi abuelito se llama Roberto y el papá de mi papá se llama Carlos, entonces me acuerdo cuando mi hermano estaba chiquito decía ‘¿Cómo te llamas?’ y mi hermano decía ‘Carlos Roberto’, y decía ‘Ah, como Roberto Carlos por el revés’, entonces yo la pregunta a mi mamá ‘¿Quién es Roberto Carlos?’ de chiquita y entonces me ponían la canción y con eso ya sabía quién era.
Cuando subí el cover se lo enseñé a mis papás antes de subirlo para pedir su opinión porque soy muy cercana con mi familia y mi mamá dijo ‘Ay qué bonito’ y mi papá ‘Está muy bonito pero ¿Por qué esa canción? ¿No quieres hacer algo más nuevo? Entonces lo subo y sin esperarlo en Tik Tok primero se hizo medio viral, como con 5 millones de vistas y luego la subí a Instagram y pasaron unos 15 y me despierto y abro mi celular y no sabes la cantidad de notificaciones, los seguidores me subieron como 200 mil seguidores, el audio tenía muchos videos, me habían hablado hasta artistas de que jamás pensaría que encontrarían mi música, bien loco. Me llegaban correos diarios después de que el cover se viralizó y ahorita en Tik Tok tiene 30 millones de de vistas en Instagram tiene 18 millones en YouTube tiene 1.5 millones de vistas, muy loco. También me llegaban correos de ‘Mariangela por favor, súbelo a Spotify, Apple Music, YouTube Music, etcétera, y entonces ya la hice parte del LP.
Llamaste a tu EP 4+1 y por ahí leía que el número 4 siempre ha estado presente en tu vida. ¿Me puedes platicar un poco de qué se trata ese número y qué significa para ti?
Yo nací el 4 de abril, el 4 del 4, entonces desde que estaba chiquita siempre sentí que el número cuatro me iba a acompañar desde el día que nací, literal estuvo conmigo. Soy muy creyente y muy supersticiosa y en varias ocasiones importantes el número cuatro ha sido importante porque me han pasado cosas muy locas con él y lo veo en todos lados. Hasta los departamentos de mis amigas son de que 404, 440, 004, es una locura y lo veo en todos lados.
Sabía que tenía que hacer alguna canción, algún EP o algún disco que se llamara 4. Inicialmente nada más iban a salir las cuatro canciones que yo compuse, que son ‘Abril’, ‘Espacial’, ‘Soñarte’ e ‘Himalaya’, pero cuando pasa lo de Camilo Séptimo se agregó una canción y pues ya no era 4 ahora era 4+1.
Hablar con Rolando Ortega, alias Roco Pachuco, es como hablar con un viejo gurú del rock: La mística y la música para él ya son inseparables.
Pero es que Roco, lleva 38 siendo el vocalista de La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, por lo tanto vivió ya todas las fases que se pueden vivir en una banda sin la cual, es imposible puede hablar de la historia del rock en español.
Entonces, a un místico músico todo lo que le queda es agradecimiento: “Ni siquiera yo lo tengo bien integrado, este paso del tiempo, es algo muy especial. ¿Cómo me siento? Con una gratitud infinita. Es imposible poder condensar estos casi 40 años de trabajo. Sobre todo porque esta visión cultural tuvo que irse abriendo paso de manera muy fuerte”, afirma Roco.
“La nuestra era una apuesta a un futuro más imaginado que real”.
“Cuando empezamos, en 1985, era una era pre digital (…). Si había algo que te interesaba, tenías que ir a buscarlo. Sobre todo en México, donde el rock estaba censurado y era una propuesta cultural que apenas estaba integrándose o asimilándose en la sociedad mexicana. Por lo tanto, la nuestra era una apuesta a un futuro más imaginado que real”.
Pero esa apuesta, se volvió una realidad cuando en 1988 grabaron su primer disco que llevaba el nombre de la banda, y se confirmó en 1991 cuando salió a la venta El Circo: el disco que los lanzó a la fama en México y en el mundo. Este álbum les permitió tocar en Estados Unidos y en Europa junto con bandas como Janes’s Addiction y Faith no More.
Y así se fue forjando la leyenda de La Maldita, como se le conoce hoy en día. Un grupo entre rock, el punk, el ska, la cumbia y el rockabilly, que estará de gira en Los Ángeles (de 10 Noviembre) y Chicago (18 de Noviembre) para reencontrarse con uno de sus públicos favoritos: sus paisanos.
“Nos tocó ser parte de un movimiento que no respetó las fronteras. A nosotros nos tocó construir este momento del rock mexicano que no existía en México, pero también nos tocó construirlo junto con nuestros hermanos del otro lado del río”, recuerda el vocalista.
“Fuimos a tocar por primera vez a Estados Unidos en 1991, invitados por MECHA: el Movimiento Estudiantil Chicano de Aztlán, en San Francisco. Fue algo deslumbrante para ambos lados. Nosotros íbamos de pachucos punks, a tocar y yo aluciné: Caminar en Mission y ver todos los murales de la Virgen de Guadalupe, de Zapata, eso no existía en México, porque en ese momento nuestro país estaba completamente agringado”, cuenta Roco.
“Tocamos con Bandido, los Doctor Locos y de Rocking Jalapeño Band, me moría de la risa con esos nombres, pero porque encontramos a una comunidad que gracias a la lejanía estaba más interesada por la raíz profunda de la cultura mexicana, que los que vivíamos en México. Eso me deslumbró.” confiesa el líder de Maldita.
“Me acuerdo que cuando primero llegamos a tocar a los Ángeles, en el House of Blues de Sunset(…), nos ponían en un día “estelar” (dice cínicamente): el martes. Pero lo llenamos. Entonces nos fueron recorriendo de día por que todos eran soldouts, hasta que tocamos en sábado. Cada vez que había un soldout era una festejo de todos…
“Nuestros conciertos allá son una manifestación”.
“No nada mas de nosotros, sino del público, de todos. Era un reivindicación de nuestra cultura, de nuestra visión que nadie valoraba. Por eso nuestros conciertos allá son una manifestación. La banda va con pancartas, banderas, dibujos con camisetas que ellos hacen. Siempre ha sido algo muy emotivo, muy especial (…)…
“Por eso nuestra conexión con todos nuestros hermanos en Nuestra Señora de Los Ángeles o en Califastlán, en Chicago, Nueva York o Houston, en donde abrimos brecha junto con todos los grupos de allá es muy importante.
“Es muy deslumbrante la creatividad del público cantan, bailan dan de brincos. A mi a veces hasta se me olvidan las letras. Me distráen mientras estoy cantando (…). En ese momento no existen fronteras, estamos en casa”, concluye Roco.
El místico gurú del rock mexicano, esperá que ese ritual se repita ahora que su música y sus fieles pachucos se reúnan otra vez en Califastitlán este noviembre.
Hablar con Rolando Ortega, alias Roco Pachuco, es como hablar con un viejo gurú del rock: La mística y la música para él ya son inseparables.
Pero es que Roco, lleva 38 siendo el vocalista de La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, por lo tanto vivió ya todas las fases que se pueden vivir en una banda sin la cual, es imposible puede hablar de la historia del rock en español.
Entonces, a un místico músico todo lo que le queda es agradecimiento: “Ni siquiera yo lo tengo bien integrado, este paso del tiempo, es algo muy especial. ¿Cómo me siento? Con una gratitud infinita. Es imposible poder condensar estos casi 40 años de trabajo. Sobre todo porque esta visión cultural tuvo que irse abriendo paso de manera muy fuerte”, afirma Roco.
“La nuestra era una apuesta a un futuro más imaginado que real”.
“Cuando empezamos, en 1985, era una era pre digital (…). Si había algo que te interesaba, tenías que ir a buscarlo. Sobre todo en México, donde el rock estaba censurado y era una propuesta cultural que apenas estaba integrándose o asimilándose en la sociedad mexicana. Por lo tanto, la nuestra era una apuesta a un futuro más imaginado que real”.
Pero esa apuesta, se volvió una realidad cuando en 1988 grabaron su primer disco que llevaba el nombre de la banda, y se confirmó en 1991 cuando salió a la venta El Circo: el disco que los lanzó a la fama en México y en el mundo. Este álbum les permitió tocar en Estados Unidos y en Europa junto con bandas como Janes’s Addiction y Faith no More.
Y así se fue forjando la leyenda de La Maldita, como se le conoce hoy en día. Un grupo entre rock, el punk, el ska, la cumbia y el rockabilly, que estará de gira en Los Ángeles (de 10 Noviembre) y Chicago (18 de Noviembre) para reencontrarse con uno de sus públicos favoritos: sus paisanos.
“Nos tocó ser parte de un movimiento que no respetó las fronteras. A nosotros nos tocó construir este momento del rock mexicano que no existía en México, pero también nos tocó construirlo junto con nuestros hermanos del otro lado del río”, recuerda el vocalista.
“Fuimos a tocar por primera vez a Estados Unidos en 1991, invitados por MECHA: el Movimiento Estudiantil Chicano de Aztlán, en San Francisco. Fue algo deslumbrante para ambos lados. Nosotros íbamos de pachucos punks, a tocar y yo aluciné: Caminar en Mission y ver todos los murales de la Virgen de Guadalupe, de Zapata, eso no existía en México, porque en ese momento nuestro país estaba completamente agringado”, cuenta Roco.
“Tocamos con Bandido, los Doctor Locos y de Rocking Jalapeño Band, me moría de la risa con esos nombres, pero porque encontramos a una comunidad que gracias a la lejanía estaba más interesada por la raíz profunda de la cultura mexicana, que los que vivíamos en México. Eso me deslumbró.” confiesa el líder de Maldita.
“Me acuerdo que cuando primero llegamos a tocar a los Ángeles, en el House of Blues de Sunset(…), nos ponían en un día “estelar” (dice cínicamente): el martes. Pero lo llenamos. Entonces nos fueron recorriendo de día por que todos eran soldouts, hasta que tocamos en sábado. Cada vez que había un soldout era una festejo de todos…
“Nuestros conciertos allá son una manifestación”.
“No nada mas de nosotros, sino del público, de todos. Era un reivindicación de nuestra cultura, de nuestra visión que nadie valoraba. Por eso nuestros conciertos allá son una manifestación. La banda va con pancartas, banderas, dibujos con camisetas que ellos hacen. Siempre ha sido algo muy emotivo, muy especial (…)…
“Por eso nuestra conexión con todos nuestros hermanos en Nuestra Señora de Los Ángeles o en Califastlán, en Chicago, Nueva York o Houston, en donde abrimos brecha junto con todos los grupos de allá es muy importante.
“Es muy deslumbrante la creatividad del público cantan, bailan dan de brincos. A mi a veces hasta se me olvidan las letras. Me distráen mientras estoy cantando (…). En ese momento no existen fronteras, estamos en casa”, concluye Roco.
El místico gurú del rock mexicano, esperá que ese ritual se repita ahora que su música y sus fieles pachucos se reúnan otra vez en Califastitlán este noviembre.
¿El amor lo cura todo? Una pregunta que acompaña a la nueva comedia romántica mexicana Enfermo Amor (2022), y que se vuelve crucial conforme avanzan las historias de las nueve parejas que batallan por mantener sus relaciones a flote aún cuando su dinámica de pareja se encuentra en piloto automático.
Una cinta dirigida por Marco Polo Constandse y Rodrigo Nava, que cuenta con un elenco de superestrellas del cine y la televisión mexicana, entre las que se aparecen Andrés Palacios, Camila Sodi, Mónica Huarte, Fernanda Castillo, Adriana Louvier, Maya Zapata y Juan Pablo Medina.
Fue durante el cierre del Festival Anual de Cine “Hola México 2022” que se proyectó por primera vez el filme y en el que el actor chileno, Andrés Palacios, me contó acerca de los pormenores de “Quique”, el personaje que interpreta en esta gran apuesta del cine mexicano.
Andrés es un actor consolidado en la industria de la televisión, el cine y el teatro, y justamente con su ayuda fue posible llevar la obra de teatro a la pantalla grande: “Me parece que la historia o la anécdota y el proceso como tal fue además de muy bonito, muy interesante y muy revelador, porque creo que todos los que participamos en la obra de teatro que se llamó “Enfermos de Amor” estábamos felices de hacerlo en grande”, me contaba.
“En una ocasión invité a Marco Polo a que me fuera a ver a la obra y pues nada, después de la función fuimos a cenar y justo Marco Polo me dijo “Oye, qué buena estuvo la obra, esto habría que hacerlo película”, le dije “¿Qué crees? Él es Rodrigo Nava, el director de la obra, y es quien tiene los derechos, así que platiquen, yo voy a cambiarme de lugar y voy a pedir otro sushi. Platiquen para que vean qué sucede”, y bueno, de ahí se arregló y se pusieron de acuerdo y afortunadamente se hizo una dupla y una alianza increíble”, dijo Andrés mientras recordaba aquellas anécdotas que lo llevaron a interpretar a Enrique junto a Mónica Huarte.
Hablamos sobre su papel en la película y la trama que representó junto a Huarte. Una historia que él describe como una relación que se mantiene en piloto automático a pesar de los años, el amor y los hijos:
“Considero nuestra historia como la historia puente por decirlo de alguna manera. La que de pronto te lleva de la risa a la reflexión ácida, de entre que te ríes, pero lloras. Y te habla de una pareja “feliz” que al estar en el día a día y entrar en un piloto automático de aparente felicidad, se les va de las manos algo que en verdad era importante: los hijos.
Al cuestionarlo acerca de su preparación para el papel, Andrés comentó que este ya era un personaje que tenía estudiado y que afortunadamente recibió el guion cuando se encontraba de viaje por Europa, lo cual lo llevó a prepararse de forma única y a entregarle al papel lo mejor de sí mismo:
“Sin que suene a presunción, pero me tocó la fortuna de tener que estudiarlo en Europa del Este en un camión rumbo a Transilvania. Mientras todos estaban reunidos en Ciudad de México, ensayando el trazo, el análisis de textos y haciendo un montón de cosas, yo iba en este camión con el texto en mano, con audífonos, estudiando, tratando de memorizar para poder llegar a México después de ese viaje y llegar al 100%. No pude estar presente pero me sé la obra de memoria, no me dejarán mentir ninguno de mis compañeros. Y pues bueno, toda esa preparación la fuimos detallando en el trabajo de mesa, en la puesta en escena, con cada función, con cada combinación, porque fuimos dos elencos, entonces íbamos alternando”, respondió.
Por último y como la trama de la película lo dictaba, pregunté acerca de su visión del amor, de las relaciones y el matrimonio, a lo que Andrés respondió sin tapujos cómo se sentía, qué pensaba y cómo él creía que debían ser las relaciones amorosas:
“Considero que al día de hoy tenemos tanto acceso a información en cuanto a la vida en pareja, a las cosas que se valen, en cuanto a los límites, en cuanto a salirnos de esta cosa normalizada de cómo tenía que ser según los abuelitos, que si estaba mal visto tal o cual cosa, que si hago qué dirán, que si es que quedó embarazada entonces te tienes que casar; por poner un par de ejemplos claro y debe haber 800 millones de situaciones diversas”.
“Creo que depende de cada quien. Claro que se vale poner los limites que a cada uno le parezcan apropiados sin necesidad de que eso te cueste la relación. Y sí, pues tampoco se trata de azotarse, al final hemos aprendido que las personas que hacen eso te hacen un favor, porque entonces no eran tan maduras, ni estaban tan comprometidas, ni estaban tan conscientes. Considero que mientras todo se ha movido por un acto consensuado de voluntad, con empatía, movido desde el amor para crecer, dos personas juntas hasta donde decidan, pues qué triunfo, y si no, pues también se vale decir ya no juego y agradecer”, concluyó el actor.
Hablar de música sierreña tanto en México como en Estados Unidos, es hablar de un género que está creciendo a pasos agigantados pero que sigue siendo muy tradicionalista. Los exponentes de siempre te cantan las mismas canciones que generalmente hablan de haber estado abajo y ahora estar arriba y de ganar mucho dinero mientras se está en el “bisne”.
Uno de los géneros más escuchados del continente y que representa a los mexicanos, pero que al mismo tiempo necesita renovarse para continuar creciendo y seguir formando parte del mainstream.
Esta misma idea pasó por la cabeza de Ashlee, Sandra y Liz cuando la música llegó a sus vidas, pues dedicaron gran parte de ella a aprender todo sobre su instrumento y contrario a lo que muchos decían, se fueron por un género que nunca había visto a otras mujeres hacer lo que ellas hacían.
Pronto comenzaron a subir videos a sus redes haciendo covers y cantando para sus amigos, cuando la vida las conectó y pasaron de tocar temas de otros a componer su propia música.
Una Conexión Divina que ocurrió en un abrir y cerrar de ojos pero que ellas ya visualizaban desde pequeñas.
Cuando las conocí con su tema ‘Odio’ quedé impresionado con lo que estaba escuchando. Tal vez por mi fanatismo a la guitarra y a los proyectos que tienen como centro un sonido “guitar-based”, pero estaba frente a tres chicas que sabían lo que hacían con su guitarra, bajoloche y bajo sexto respectivamente, y que le estaban dando un nuevo sentido a las canciones que son tendencia en México últimamente.
Después de todo esto, tuve el placer de platicar con las chicas de Conexión Divina tras haber firmado un contrato con Sony Music y lanzar su primer single bajo este mismo sello. Un sueño que muchos quieren vivir y que quedó claro que se puede alcanzar con talento.
Seguramente será nuestra primera charla de muchas en una carrera que estará llena de éxitos.
Antes de platicar del single y de cómo llegaron hasta acá, quisiera que me contaran un poquito de su background. ¿Cómo llegó la música a su vida y qué hacían antes de dedicarse a esto?
Sandra: Desde chiquita he escuchado música, siempre me ha gustado. A los 12 años empecé a tocar el piano y luego a los 15 la guitarra y luego apenas a los 18 agarré el bajoloche.
Liz: Yo apenas me acabo de graduar hace dos meses y aprendí hace tres años.
Ashlee: Yo tengo desde los 13 o 14 años y ahorita tengo 22. Tengo bastante tiempo tocando la guitarra, pero antes de empezar a tocar la música trabajaba en un Walmart.
Cuéntenme un poquito de cómo fue que se conocieron y cómo les surgieron estas ganas de hacer música juntas.
Sandra: Nos conocimos en redes sociales. Yo conocí a Ashlee en Instagram y conocimos a Liz por TikTok y le mandé un mensaje preguntándole qué le parecía hacer un grupo de “girls” y a ella le gustó la idea. Luego me dijo que me fuera a Arizona por unos dos meses para ver qué onda y yo me fui e iban a ser solo dos meses pero me terminé quedando con ella. Luego vinimos a Los Ángeles porque encontramos a Liz
Liz: En ese tiempo estaba buscando una requintista y una “bass player” y de pronto ellas aparecieron de la nada y fue genial porque llegaron exactamente las personas que quería en el momento justo.
Ashlee: Sí, la encontramos y nos llevamos bien, creo que de ahí para adelante surgió el grupo pero todo se dio muy sencillo y conectamos muy bien una con la otra.
¿Y en cuanto a las redes sociales, subían videos y se vieron tocando?
Sandra: Sí, subíamos videos de covers. Subíamos videos a Instagram y luego vimos a Liz en TikTok, ella estaba teniendo mucha atención así que nos salió su video y le escribimos.
Aunque nacieron y crecieron en Estados Unidos su música representa mucho del sonido actual de México ¿Cómo llegaron a ese sonido?
Ashlee: Yo crecí en México y pasé ahí mi niñez. Sé cómo es la vida allá, las experiencias, la diferencia de cómo se vive la vida acá, de venir a Estados Unidos con mucho más privilegios y mucho más apoyo del gobierno para la gente, se siente la diferencia muchísimo, pero siempre quise mantener las raíces mexicanas porque de ahí vienen nuestros papás y nuestros abuelos y es algo que tenemos en común las tres, que todas queremos seguir representando a México aunque estemos en Estados Unidos o cantando en inglés o en español, somos y seguimos siendo mexicanas y queremos representar nuestra cultura.
Fotografía: Sony Music Latin.
En cuanto al nombre del grupo, por ahí leía que nació por la conexión que tuvieron a través de redes sociales. ¿Me cuentan un poquito esa historia?
Sandra: El nombre llegó por la conexión y porque nos conocimos en “social media” y luego “Divinas”, por la canción ‘Mujeres Divinas’.
Ashlee: No queríamos mantener el nombre ‘Mujeres Divinas’ porque vimos que era demasiado igual y entonces seguimos pensando y salieron muchos nombres, hasta que nos quedó “Conexión” y la verdad, ninguna estaba súper emocionada con nombre pero era el que teníamos las tres en común y al último terminó quedando.
Conforme fue pasando el tiempo nos dimos cuenta de que ese era el nombre indicado que debía haber quedado desde el principio.
La música regional y hasta la sierreña se conoce por siempre estar representada por hombres, ¿Qué se siente ser mujer en un género tan dominado por ellos?
Sandra: Muy emocionada porque nos están apoyando mucho y me alegra porque este es un género dominado por hombres.
Ashlee: La verdad que queremos abrir más puertas para las mujeres y que puedan hacer este género porque la verdad es como un desperdicio pues falta mucho talento femenino en la industria. Es como cuando Jenni Rivera abrió las puertas y fue trabajando más y más y ahora creo que fue el momento indicado para que saliera un grupo de mujeres que somos nosotras apoyando más la idea y haciendo lo más abierto para todos.
Liz:El grupo estaba fundado en ese concepto para que las mujeres estén más presentes en esta industria porque hay muchos machos en esta industria y es tiempo que eso se acabe.También queremos representar a México y qué mejor que decir que una mujer está haciendo ruido en todas partes del mundo.
¿Alguna vez se enfrentaron a críticas o quizá alguien les dijo que esa no era música para mujeres?
Ashlee: Siempre son hombres los que me mandan mensajes a mí o me comentan en alguno de mis videos como de que “vete a cocinar” o cosas así. Pienso que yo estoy haciendo algo que me gusta y mi género no debería de ser algo que influya en lo que hago y no debería ser para nada en ningún otro tipo de trabajo porque eso no influye en si puedes o no puedes hacerlo.
Ahora que pasaron a las grandes ligas y firmaron un acuerdo con una de las disqueras más grandes del mundo ¿Qué sienten? ¿Se lo imaginaban?
Sandra: La verdad sentía que sí podíamos llegar a este nivel, entonces estoy como de ‘Wow, lo sabía”…
Ashlee: Sí, pero siento que llegó más rápido de lo que esperaba. Decía “vamos a llegar lejos” pero un día o algo así, y la verdad es que llegó literalmente en cinco o seis meses de grupo y ya todo eso está pasando y que creo que hay artistas que duran años tratando y que a nosotras nos abran la puerta, fue muy impresionante la verdad.
https://www.instagram.com/p/CebnrNnpYnu/
Ya tuve oportunidad de escuchar ‘Odio’ y está buenísima. Platíquenme un poquito cómo la compusieron y de lo que quisieron decir con su primer sencillo.
Ashlee:Pues creo que todas sabíamos que esta iba a ser la canción y sobre la composición, creo que es algo que toda nuestra generación pasó. Todos hemos tenido un “casi algo” que terminó siendo nada y en realidad no fue una relación ni nada. aunque pudieron haber citas u ocasiones como se espera de una relación, pero al final, cuando se acaba, queda ese vacío de que nunca fue nada en realidad. Estás sintiendo ese vacío de algo que no pasó y es una canción con la que siento que muchos se identifican.
Por último, acá en El Botón nos gusta saber qué están escuchando nuestros artistas favoritos, por lo que me gustaría que me dieran un par de recomendaciones de lo que últimamente escuchan en su celular.
Liz: Pues para mí sierreño, Iván Cornejo y Ana Gabriel o Sin bandera o Camila puede ser…
Sandra: A mí me gusta mucho Junior H, pero también escucho a Luis R. Conriquez.
Ashlee: A mí me gusta Grupo Codiciado, Calibre 50, Gerardo Ortiz, todos los corridos románticos o de ese tipo, me gustan mucho.
